Brighton Festival

Im Mai muss Brighton keine eigene Festivalstadt hinter Zäunen errichten. Die Stadt besitzt bereits enge Straßen, die zum Meer hinabführen, Theater mitten im Zentrum, Kirchen, Galerien, Parks, viktorianische Gebäude, sehr unterschiedliche Viertel und eine Küste, an der für wenige Wochen eine monumentale Installation auftauchen und anschließend wieder verschwinden kann. Brighton Festival arbeitet seit 1967 genau mit dieser vorhandenen Struktur. Statt eine künstliche Welt vom normalen Stadtleben abzutrennen, wird die reale Stadt zur Bühne. An einem Abend sitzt man im Brighton Dome vor einem Orchester, am nächsten Tag führt der Weg zu einer Performance an einem unerwarteten Ort, zu Kunst auf der Hove Promenade oder zu Tausenden Kindern, die mit Skulpturen, Bannern und Percussion durch das Zentrum ziehen.

Schon die moderne Premiere im April 1967 unter Artistic Director Ian Hunter ließ sich erstaunlich schwer einordnen. Pink Floyd und The Who standen neben Yehudi Menuhin; Laurence Olivier brachte Produktionen des National Theatre mit einer Company, zu der auch der junge Anthony Hopkins gehörte; klassische Musik, Rock, Theater und experimentelle Kunst teilten denselben kulturellen Raum. Es ging nicht lediglich darum, möglichst viele Disziplinen aufzuzählen. Brighton suchte eine Form, die Stadt mit den sich schnell verändernden Künsten zu verbinden, ohne eine bequeme Grenze zwischen sogenannter Hochkultur und populärer Kultur zu ziehen. Mehr als fünf Jahrzehnte später wirkt diese erste Ausgabe deshalb überraschend nah am heutigen Selbstverständnis: Entscheidend ist weniger die Kategorie eines Werks als die Wirkung, die es im Kontext der Stadt entfalten kann.

Brighton Dome wurde zum natürlichen Zentrum. Concert Hall, Corn Exchange und Studio Theatre können Musik, Tanz, Theater, Gespräche und hybride Formen aufnehmen, doch das Festival hat sich nie auf diese Räume beschränkt. Kirchen, Galerien, Industriegebäude, Parks, Community Venues, Wohnviertel und die Küste werden Teil des Programms, wenn ein Projekt sie benötigt. Diese Beweglichkeit erklärt, warum Brighton Festival gleichzeitig international und stark lokal wirken kann. Künstler von Weltrang könnten in jeder europäischen Kulturmetropole auftreten, doch hier wird ihr Besuch von der Stadt geprägt: vom Weg zwischen zwei Venues, vom Wind am Channel, von einer Installation am Meer oder von einem Projekt in einem Viertel, dessen Bewohner selbst am kreativen Prozess beteiligt waren.

Die Children's Parade zeigt diese Verbindung vielleicht deutlicher als jeder Headliner. Seit 1985 eröffnen Tausende Kinder, Lehrer, Musiker und Familien traditionell das Festival mit Figuren, Kostümen und Musik, die über Monate in Schulen und Workshops vorbereitet wurden. Die Parade ist kein dekoratives Familienprogramm neben dem vermeintlich wichtigeren Kunstangebot, sondern eines der bekanntesten öffentlichen Bilder des gesamten Festivals. 2026 feierte sie ihre 40. Ausgabe und verwandelte erneut die Innenstadt, noch bevor ein großer Teil des Ticketprogramms begonnen hatte. Programme wie Our Place führen denselben Gedanken weiter und bringen Künstler in Communities, die sich von zentralen Kulturinstitutionen nicht immer angesprochen fühlen. Nicht jedes Publikum soll erst zum Festival kommen müssen; manchmal muss das Festival lernen, zu seinem Publikum zu gehen.

Ab 2009 wurde das Guest-Director-Modell zu einem weiteren Instrument gegen institutionelle Routine. Anish Kapoor behandelte Brighton als Raum für bildende Kunst; Brian Eno brachte seine Verbindung von Musik, Technologie und Experiment ein; Vanessa Redgrave, Michael Rosen, Hofesh Shechter, Ali Smith, Laurie Anderson, Kae Tempest, David Shrigley, Rokia Traoré, Lemn Sissay und andere verliehen den jeweiligen Jahren unterschiedliche Perspektiven. Im besten Fall waren diese Persönlichkeiten nicht lediglich prominente Kuratoren, die einige Lieblingskünstler auswählten. Ihre Haltung veränderte den Ton des gesamten Programms. Anoushka Shankar schloss diese Phase 2025 mit New Dawn ab. Nach sechzehn Jahren entschied Brighton, dass der nächste sinnvolle Wandel darin bestehen sollte, das Modell selbst zu beenden und die kuratorische Verantwortung wieder stärker beim permanenten Team zu bündeln.

Eine wesentlich härtere Unterbrechung hatte 2020 stattgefunden. COVID-19 führte zur ersten vollständigen Absage in 53 Jahren. Digitale Angebote hielten einen Teil der Verbindung aufrecht, doch gerade das Fehlen eines physischen Festivals machte sichtbar, wie sehr Brighton Festival von Bewegung durch reale Räume lebt. 2021 kehrte es mit Lemn Sissay und dem Thema care zurück. Geringere Kapazitäten, Outdoor-Arbeiten und digitale Formate ermöglichten Veranstaltungen unter veränderten Bedingungen. Diese Ausgabe war nicht nur eine eingeschränkte Version des Normalzustands. Sie gehörte zum Wiederaufbau des kulturellen Lebens der Region und brachte Künstler, Freelancer, Venues und Publikum wieder zusammen, nachdem die grundlegende Idee eines Stadtfestivals — Menschen teilen denselben Raum — plötzlich unsicher geworden war.

Die 60. Ausgabe 2026 nutzte ihr Jubiläum, um erneut etwas zu verändern. Unter Lucy Davies und dem Programming Team produzierte Brighton Festival erstmals selbst ein vollständiges Werk: Kohlhaas, inszeniert von Omar Elerian mit Arinzé Kene. Mehr als hundert weitere Veranstaltungen bildeten den Kontext. Patti Smith kehrte für zwei unterschiedliche Abende zurück; Laurie Anderson präsentierte The Republic of Love; Sampa the Great arbeitete mit den Zamrock-Pionieren W.I.T.C.H.; Angélique Kidjo, Beverly Glenn-Copeland und Aldous Harding erweiterten das zeitgenössische Musikprogramm; Asian Dub Foundation spielte erneut seinen Live-Soundtrack zu La Haine; London Symphony Orchestra stand für jene klassische Linie, die seit 1967 zum Festival gehört. Über 160.000 Beteiligungen an Shows, Installationen und kostenlosen Veranstaltungen zeigten seine heutige Reichweite.

Brighton Festival bleibt damit eher ein Festival einer Stadt als lediglich ein Festival in einer Stadt. Gerade dieser Unterschied trägt wahrscheinlich zu seiner außergewöhnlichen Lebensdauer bei. Künstler wechseln, kuratorische Modelle werden irgendwann ersetzt, Gebäude restauriert, temporäre Orte entstehen nur für eine Saison und neue Communities stellen andere Anforderungen an eine traditionsreiche Institution. Brighton selbst bleibt das verbindende Material. Öffentliche Termine für 2027 sind noch nicht angekündigt, doch nach dem Jubiläum von 2026 weist die Entwicklung klar nach vorn. Vielleicht liegt die typischste Erfahrung weiterhin darin, nach einem internationalen Konzert aus dem Brighton Dome zu treten und festzustellen, dass das nächste Werk nicht im Nachbarsaal wartet. Es liegt einige Straßen entfernt, möglicherweise direkt am Meer, und um dorthin zu gelangen, muss man wieder Teil der Stadt werden.